MOSTRE
Vincenzo Ferrari - Lo Spazio del tempo
Inaugurazione: martedì 3 maggio 2011 dalle ore 18.30
Periodo espositivo: da mercoledì 4 maggio a mercoledì 20 luglio 2011
Orari di apertura: da martedì a sabato dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
La mostra documenta i diversi aspetti del lavoro concettuale dei primi anni Settanta di Vincenzo Ferrari.
L’allestimento alterna opere su tela o tavola alla serie delle “carte fotografiche”. La carta fotografica, dove normalmente avviene l’impressione dell’immagine, è qui utilizzata per tracciare e produrre immagini ex novo. L’artista infatti non propone un analogo della realtà, come vorrebbe il mezzo fotografico, ma disegna sulla carta servendosi direttamente dei liquidi di sviluppo e fissaggio, piegando ancora una volta il tempo e la sua traccia allo spazio dell’opera.
Le carte fotografiche fanno da contraltare alle opere su tela più tipiche della stagione concettuale, in cui Ferrari propone, con le sue scale cromatiche, un’applicazione sistematica agli elementi primi della pittura e dei paradossi analitici delle “Tavole d’accertamento” di Manzoni e Agnetti.
L’approdo di queste vere e proprie “verifiche” metalinguistiche, che non rinunciano mai agli strumenti più sottili della libertà e dell’ironia, è inevitabilmente quello di un azzeramento o di un silenzio espressivo che si carica in profondità di valori ideologici.
Circondati dalla babele dei linguaggi verbali e visuali che risuona dietro questo silenzio, nella serie dei quadri bianchi dedicati alla traccia, assistiamo come spettatori impotenti alla caduta della parola scritta sulla calce. La riflessione sul mestiere del pittore e in definitiva sul ruolo dell’artista diventa qui oggetto di indagine teorica e linguistica.
Quel radicale processo di mutamento dei valori culturali o, per usare un termine dell’artista, di “deculturizzazione”, che chiameremo postmoderno è già colto sul nascere, con piena consapevolezza, in questa stagione concettuale di Ferrari.
In mostra anche “La Traccia”, numero 0 di un progetto editoriale a cura di Vincenzo Ferrari, Paolo Della Grazia e Lorena Giuranna.
Il progetto propone una serie di pubblicazioni monotematiche dalla forma sempre diversa incentrate su argomenti scelti e destinati a una riflessione sulla contemporaneità. Dall’Energia alla Distanza, dalla Quotidianità alla Traccia, appunto, questi temi saranno discussi da personalità della cultura provenienti dagli ambiti più disparati e consegnati a un artista che ne progetterà la forma editoriale.
Per questa prima uscita hanno collaborato a segnare i confini e le molteplici accezioni dell’argomento “Traccia”: Li Chi Choi, Federico Ferrari, Lorena Giuranna, Elena Pontiggia, Marco Potenza, Arturo Schwarz, Paolo Thea, Marco Vaglieri, Giorgio Zanchetti con visioni, testi e riflessioni di ambito artistico, antropologico, scientifico.
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Collettiva - Memoria Variabile
Periodo espositivo: da venerdì 4 marzo a sabato 9 aprile 2011
Orari di apertura: da martedì a sabato dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
Le opere presenti in questa esposizione testimoniano come l’attenzione dell’arte recente per il tempo e la memoria sia un fenomeno sempre più significativo e diffuso a livello internazionale. E al contempo evidenziano come la produzione artistica delle ultime generazioni, in cui è centrale il recupero di documenti d’archivio, trovi le proprie premesse nelle opere di alcuni autori che anagraficamente potrebbero esserne i padri, se non – in qualche caso - addirittura i nonni.
Al di là di ogni differenza concettuale, stilistica e cronologica, le opere degli artisti in mostra nascono infatti tutte dall’incontro o dalla ricerca di vecchie fotografie trovate nelle bancarelle dei rigattieri o negli album di famiglia, dal recupero di antichi suoni, di film amatoriali o d’autore. Come affascinati collezionisti di cose senza valore, questi autori hanno lavorato su materiali pre-esistenti e carichi di memoria, ma non si sono limitati solo a riportare alla luce tracce del passato o della storia. Ciò che preme loro, infatti, non è tanto riproporre il passato tout court, ma sottrarre tali immagini dall’amnesia collettiva in cui cadono nella società mediatica occidentale, per restituire ad esse una voce che giunga fino a noi. Per questo in ogni loro opera è presente uno scarto, una differenza, un intervento (fatto magari di accostamenti inediti o inaspettati, di riletture o di complessi interventi manuali), capaci di riattivare il passato, di aprirla all’immaginazione, a nuove narrazioni a volte sottilmente ironiche, a volte poetiche o analitiche, giocose o spiazzanti, critiche o interrogative.
Il loro operare anacronistico, sempre con lo sguardo rivolto all’indietro, non è mai un gratuito gioco con la storia personale o collettiva. Essi sono consapevoli che il passato è laggiù, sprofondato in un tempo remoto, e che per farlo rivivere debba essere rivisitato, ripensato, rigiocato, scompaginato. Paradossalmente anacronistiche e inattuali, tali opere partono da tracce del passato per far incontrare il “già avvenuto” con l’“adesso”. Producono esperienze aperte che turbano la nostra percezione in un gioco incessante di piccole alterazioni e cancellature, aggiunte o spostamenti che stimolano l’osservatore a entrare nell’intimità delle opere e a creare nuove narrazioni, immerse in un tempo complesso, né attuale, né davvero inattuale. Queste opere insomma, pur nella loro ricca diversità progettuale e poetica, s’impegnano a “riunire il prima, il durante e il dopo”, come auspicava Marcel Duchamp.
La mostra presenta lavori video, fotografie e installazioni dei seguenti autori:
Vincenzo Agnetti, Gianfranco Baruchello, Maggie Cardelús, Martina Della Valle, Rä di Martino, Laurent Fiévet, Meri Gorni, Paolo Inverni, Vladimir Kupriyanov, Lena Liv, Fabio Mauri, Marcelo Moscheta, Davide Mosconi, Daniel Pitín, Catherine Poncin, Kurt Ralske, Moira Ricci, Sylvie Romieu, Eric Rondepierre, Indre Serpytyte, Mirko Smerdel, Aldo Tagliaferro, Dubravka Vidovic, Ciro Vitale, Roger Welch.
Il titolo della mostra è un omaggio all’opera di Aldo Tagliaferro “Memoria variabile” 1973.
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Lisa Ponti - A4 X 88
Periodo espositivo: da mercoledì 2 al 24 febbraio 2011
Orari di apertura: da martedì a sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
Ottantotto sono gli anni di Lisa Ponti. Questa mostra li festeggia con 88 suoi disegni su carta, formato “A4”, misura universale: “ E’ un bene usare un foglio sempre uguale, così il disegno sa dove atterrare” dice Lisa.
Lisa Ponti usa il foglio A4 dal 1992 (prima mostra da Toselli a Milano), e da allora i disegni “A4” hanno fatto molti scali in gallerie e musei: dalla Galleria Gangurinn a Reykjavik, Islanda, nel 1993 (la galleria più a Nord) al Museo MMMAC a Paestum, nel 2000 (il museo più a Sud).
A Roma, centro dei centri, mostra alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna, nel 2005.
La Galleria Milano espone ora 88 fogli “A4” del 2010 e 2011.
Scrive Fulvio Irace nella prefazione al catalogo della mostra di Paestum: “Lisa ha ereditato (dal padre) la propensione a tradurre parole e pensieri nella sciolta scrittura di segni grafici che hanno l’apparente innocenza di una immediatezza fulminante.
Lampi di graffite, tuoni di pastelli, nuvole di carte percorrono il foglio A4 proiettandovi paesaggi mentali simili al flusso di istantanei dialoghi col mondo…
Questi materiali minimi del pensiero disegnano provvisorie costellazioni di segni, dentro i quali ognuno potrà credere di leggere qualche segreto del presente o luminose premonizioni del futuro.”
milano.repubblica.it/cronaca/2011/01/31/foto/il_compleanno_di_lisa_ponti-11895335/1/
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Davide Mosconi - LASTORIADELLAMUSICADIDAVIDEMOSCONI - Concerto n.5
LASTORIADELLAMUSICADIDAVIDEMOSCONI
Martedì 16 novembre 2010 ore 19.00
Davide Mosconi è stato, infatti, musicista e fotografo, compositore di musica ambientale e di teatro-musica, ricercatore e costruttore di suoni, sperimentatore, improvvisatore e performer, ma anche inventore di strumenti musicali.
In questa occasione verranno eseguite le seguenti pagine:
Nr. 35 - Milano. “Invasione”. Pezzo per conchiglie, muro, zoccoli, angolo, sassi, vetro e terra. Solo. Millenovecentosettanta.
Nr.103 - Eindhoven. Vandalia. Pezzo per tavolo, nastro adesivo e neve. Millenovecentoottantasei.
Direzione musicale Elio Marchesini.
Le seguenti pagine verranno presentate da Maria Morganti:
Nr. 43 - Como. Pezzo per pianoforte e ferraglia. Millenovecentosettantaquattro
Nr. 59 - Milano. Pezzo per pianoforte piscina ed acqua.
Millenovecentoottantasei.
Nr. 65 - Firenze. “L’orchestra”. Per pianoforte, tre pianisti e strumenti d’orchestra da camera. Millenovecentoottantotto.
Nr. 115 - Londra. Pezzo per pianoforte e ghigliottina.
Millenovecentoottantacinque.
Colonna sonora della serata sarà LA MUSICA DELL’ANNO ZERO DAVIDE MOSCONI MILLENOVECENTOOTTANTADUE acquistabile in galleria.
Fino all’8 gennaio saranno inoltre esposti:
Night skies, 1990/91
una serie di trittici polaroid di cieli notturni, proseguimento della sua ricerca sulle coincidenze.
“Il sogno di Davide”, 1968
opere di ispirazione surreale, in cui le immagini sono inserite in una struttura retroilluminata.
Leggi l'articolo di Michela Moro su leiweb.it
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Nanni Balestrini - AVIDOCHILEGGE
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S. Buckley, B. Cohen, H.Cohen, B.Flanagan, J. Hoyland, R. Smith, W. Tucker - Sette inglesi a Milano
Durata dell'esposizione: dal 2 dicembre 2009 al 15 febbraio 2010
Orari d'apertura: da martedì a sabato dalle ore 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
Nel 1966 i fratelli Bernard e Harold Cohen, Robyn Denny, Richard Smith e Anthony Caro rappresentano l'Inghilterra alla Biennale di Venezia, presentati da David Thompson. La Galleria Milano, che negli anni sessanta aveva già dedicato agli artisti Pop inglesi varie mostre (1966, "London under Forty", 1968 Allen Jones, 1970 Colin Self e 1973 Peter Phillips), presenta ora, in collaborazione con Beatrice Monti una selezione di opere degli anni sessanta e primi anni settanta di sette protagonisti di quella ricerca astratta in pittura e scultura. Per l'occasione è stato stampato un catalogo con testi in italiano e inglese.
"Negli ultimi anni la pittura e la scultura hanno uno spirito del tutto nuovo in Inghilterra. Si potrebbe sostenere che mai, prima della fine della guerra, ci sia stata una generazione di trentenni meno provinciale e più sicura della propria indipendenza. Una generazione che ha saputo rompere con il proprio passato e misurarsi con la pittura americana che veniva considerata una schiacciante minaccia." (D. Thompson, catalogo del padiglione Britannico, Venezia Biennale 1966)
A Londra in quegli anni erano in corso sperimentazioni di ogni genere ben caratterizzate nella loro tipicità culturale. Come scrive James Faure Walker nel testo introduttivo del catalogo di questa esposizione: ". Tutto poteva essere scultura. Un quadro poteva essere triangolare oppure avere i contorni a zig zag. Anche gli odori erano cambiati: non più trementina, ma acrilico, pistole a spruzzo, tela olona; i rotoli di nastro adesivo, usati per le campiture hard edge, pendevano da tutte le pareti dello studio…. Nei Colleges non si veniva mai indottrinati. Erano rispettati i cosiddetti pensieri collaterali, le eccentricità, le stravaganze. Flanagan andava a disegnare allo zoo di Regent Park e fu un’altra mossa laterale quando, con le sue lepri divenne 'figurativo'…Ma questo filone di arte astratta non si è mai spento. I recenti lavori di Bernard Cohen hanno sbalordito il pubblico: rapsodie di motivi e dissonanze elettrizzanti. Nelle tele di Harold Cohen degli anni sessanta ritroviamo i codici e i diagrammi frammentari che preludono ai suoi lavori con il computer. H. Cohen in California ha elaborato AARON, il software – suo alter ego – che esprime tutta la sua sensibilità pittorica. Il fogliame lussureggiante, dall'aspetto organico, ha il sapore di una autentica pittura, sebbene sia stata immaginata da una macchina, e questo fa sì che H. Cohen sia considerato un vero pioniere, capace di aprire le porte a una nuova era. I vecchi lavori di John Hoyland esprimono già l’irrequietezza, l’energia, l’ardire e la bellicosità della sua splendida tavolozza tropicale recente." William Tucker continua ad investigare sul linguaggio della scultura e sul rapporto con lo spettatore sia con i suoi lavori che con scritti teorici e Richard Smith, in tempi recenti ha avuto anche molti incarichi di arredo urbano "negli Stati Uniti, in Venezuela al Museo d'Arte Contemporanea, all'aeroporto di Louisville e al Peak Center di Hong Kong.
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Davide Mosconi - 5 trittici: In morte del padre - Disegnare l'aria
In occasione dell'apertura di stagione di Start la Galleria sarà aperta sabato 19 dalle 12 alle 21 e domenica 20 dalle 12 alle 19
Periodo espositivo: da sabato 19 settembre 2009 a sabato 14 novembre 2009
Orari della Galleria: da martedì a sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
Sono gli anni in cui muore suo padre. E' un periodo di ripensamento e trascorre il suo tempo nella biblioteca del padre dove trova molte foto e manuali di medicina. Lo colpiscono le coincidenze. Una fotografia medica gli ricorda un'immagine di Jacques André Boiffard, fotografo surrealista. Ricerca e affianca fotografie scattate da due autori diversi, che, senza conoscere il lavoro dell'altro ritraggono la stessa cosa in modo affine.
Alla coincidenza delle due immagini trovate e di cui Mosconi non è che il tramite, ne aggiunge una terza, sua.
"Con la sua terza immagine sottolineava ancora una volta che ciò che conta in fotografia non è la rappresentazione, né tanto meno ciò che è rappresentato, ma la forma, la figura che uno percepisce e riconosce, e che investe di uno o più significati" Pool Andries, Davide Mosconi, Edizioni Charta 1997.
"In morte del padre", mai esposto sino ad oggi, è la prima serie di trittici realizzati con la polaroid.
"Il mio lavoro è una ricerca costante sui concetti di coincidenza e casualità. I miei primi trittici erano basati sull'osservazione che diversi fotografi in periodi diversi della storia della fotografia hanno ritratto pressappoco lo stesso soggetto, pressappoco nello stesso modo. In quei primi progetti ho rifotografato due immagini simili realizzate da due fotografi diversi e le ho combinate con una terza, fatta da me in studio.
In "Disegnare l'aria" mi sono occupato del concetto di casualità e ho effettuato solamente tre scatti per immagine. Il primo è un test. Nel secondo e terzo scatto gli oggetti vengono lanciati e fotografati mentre si dispongono nell'aria a formare figure casuali. In questo modo sto anche cercando di rendere visibile l'invisibile, disegnando l'aria."
Davide Mosconi (Milano 1941-2002) studia pianoforte e composizione al conservatorio G.Verdi, diplomandosi con il Maestro Vergani.
Nel 1961 si trasferisce a Londra, dove studia fotografia al London College of Printing.
Dal 1963 lavora a New York come assistente di Richard Avedon e Hiro.
Torna a Milano nel 1967 ed espone alla Galleria Il Diaframma la sua prima personale Il sogno di Davide.
Nel 1968 apre lo studio fotografico “Studio X” con il quale realizzerà campagne pubblicitarie, servizi di moda e costume, lavorando contemporaneamente nel campo musicale e videoartistico.
Nel 1972 partecipa alla mostra “The New Domestic Landscape” al MOMA di New York con il cortometraggio “Something to believe in”. Nel 1974 partecipa a "Arte in Fotomedia", mostra itinerante curata da Daniela Palazzoli.
Nei primi anni ottanta comincia a lavorare su invito della Polaroid con la nuova macchina oversize 61x51.
Dal 1986 al ’97 i principali progetti sono i trittici di Praga sul tema del corpo, le nature morte e le serie Day skies e Night skies, esposti in Italia e all’estero sia in gallerie private che in musei.
Nel 2001 e nel 2003 partecipa alla Biennale di Venezia.
Conclusa la sua collaborazione con la Polaroid realizza i due progetti fotografici Disegnare l’aria e Polveri ispirati a Bruno Munari e a lui dedicati.
Il suo ultimo lavoro, Autoritratti bucati, è stato esposto postumo alla Galleria San Fedele di Milano nel 2003.
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Pierpaolo Lista - Resto a guardare
Inaugurazione: mercoledì 6 maggio 2009 alle ore 18.30
Periodo espositivo: da giovedì 7 maggio a martedì 20 luglio 2009
Orari: da martedì a sabato dalle ore 10,00 alle 13,00 e dalle 16,00 alle 20,00
Pierpaolo Lista ha poco più di 30 anni, vive e lavora a Paestum, ha esposto opere pittoriche in personali a Pavia nel 2003 e a Roma nel 2006 e nel 2007. Nel 2008 a Salerno tiene la sua prima personale di lavori fotografici.
La Galleria Milano presenta per la prima volta a Milano sia la sua pittura che le fotografie.
I lavori pittorici, smalti dipinti e graffiti sul retro di lastre di vetro visarm, hanno tutti la stessa dimensione: 100 x 120 cm.
Le immagini, profili inconsistenti di oggetti, di cose di tutti i giorni - una moto (una vespa) , un pianoforte, un orologio con le ore messe a caso, un paio di occhiali appoggiati su di un tavolo, dei coltelli, sono simulacri della quotidianità, ridotta a segno e resa in tal modo minimale, che la trasforma quasi nel ricordo di una realtà.
Scrive Mariangela Calisti nella presentazione alla mostra di Pavia Cose: "Immagini che ci appartengono, che hanno molto da raccontare, ma che già molto hanno detto. Non a caso prive di ogni presenza umana, ci consentono di impossessarcene."
Nelle fotografie di Lista ritroviamo una ambivalenza scenica. Lista costruisce con cura la coreografia di ambienti, di stanze vuote illuminate da un'improbabile luce che filtra da una porta semi aperta, ricrea oggetti comuni (forbici, cappelli, giacche, ombrelli, aereoplanini, una barchetta di carta che si riflette sull'acqua) assemblando carte, cartoni , filo di ferro, chiodi, pezzi di corda, sfondi acquerellati; ogni cosa ha la propria ombra a volte disegnata a volte creata con effetti di luce.
Questi assemblaggi, queste scenografie esistono solo per essere fotografate.
"La tecnica fotografica è sin dall'inizio un semplice e agile mezzo per costruire una immagine che è, a sua volta, l'alter ego, la deuteragonista delle figurazioni dei suoi lavori pittorici. Ossia: la "scarnificazione" d'un elemento oggettuale – anche il più elementare – che si trasforma, attraverso una raffinata tecnica e una prevista alterazione, in una sorta di visione fantasmatica che, pur conservando le stigmate della realtà, riesce a trasformarla in quello che potrei definire l'equivalente ricordo."
Gillo Dorfles "La fotografia concettuale di Pierpaolo Lista" in Teatri segreti , Salerno 2008
Hanno scritto di lui Gillo Dorfles, Antonello Tolve, Mariangela Calisti, Raffaele d'Adria, Alan Jones, Angelo Trimarco.
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Pierluigi Fresia - Our brief eternity
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Sandro Somaré - "+1"
Periodo espositivo: da giovedì 27 novembre 2008 a sabato 17 gennaio 2009
Orari della Galleria: da martedì a sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
A Milano ricordiamo le personali alla Galleria dell'Ariete, Galleria del Naviglio, Gianferrari, San Carlo e, con il fratello, nel 2006 alla Rotonda della Besana.
Questa mostra, in cui saranno esposte tele, disegni, tempere, acquerelli, ma anche i cosiddetti "teatrini" o "scatole" tridimensionali, intende ricreare il percorso di tutto il suo lavoro quasi fosse un'autobiografia. Scrive Luigi Carluccio: "In realtà l'insieme delle opere costituisce un diario in cui sono annotate minuziosamente le variazioni del medesimo tema, o le modificazioni dello stesso evento su una dimensione impalpabile del tempo."
(Torino, 1968, Galleria Minima)
Fino al 1964 le immagini sono forme astratte in un gioco di rifrazioni e scomposizione della luce sovente cristallizzate in un cubo di luce rarefatta, persino gelida, dipinta con tecnica minuziosa.
Con il tempo, lo spazio nei lavori di Somaré si fa più definito. In un bagno di luce vagamente ipnotica le figure si oggettivizzano, gli elementi architettonici sono incisivi e più dettagliati. Sia negli interni che nelle fredde vetrate di androni di vecchi palazzi milanesi Somaré ricrea quel mondo di silenzi e di isolamento che ritroviamo nei paesaggi, nei cieli e negli orizzonti, in altre parole, in tutto il suo lavoro.
"Somaré usa il colore come un tono delicato, sottile, impregnato di luce, lo stende con minuzia, tocco a tocco, non per contrasti, ma per trapassi, suscita così atmosfere sospese e calme, spazi appena sfiorati da un solitario mistero."
Pierluigi Tassi, Milano, 1982, Galleria Gianferrari
Le opere tridimensionali: scatole, teatrini, gallerie d'arte, come pure le recentissime televisioni, sono solo apparentemente diverse dal lavoro pittorico, in realtà sono sempre immagini riconducibili a un vissuto personale. Un palcoscenico improbabile in cui si muovono figure che sembrano in attesa di un accadimento.
Hanno scritto di lui tra gli altri Luigi Carluccio, Raffaele Carrieri, Eduard Glissant, Luigi Lambertini, Osvaldo Patani, Nicoletta Pallini, franco Russoli, Emilio Tadini, Pierluigi Tassi, Marco Valsecchi, Guido Vergani, Patrick Waldberg.
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Marco Vaglieri - Metafisica della carne
Periodo espositivo: da mercoledì 1° ottobre a martedì 15 novembre 2008
Orari della Galleria: da martedì a sabato dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 20.00
L’esposizione ruota intorno al video Metafisica della carne (Italia, 2008). Il mediometraggio, di chiaro impianto teatrale, riprende con toni surreali e laici alcuni episodi del Vangelo. Lo spettatore è calato in uno sconclusionato pellegrinaggio che si svolge interamente nei locali della Galleria Milano, qui vissuta come un irraggiungibile paradiso perduto.
L’ultima produzione dell’artista si ricollega alla lezione di Pier Paolo Pasolini, Carmelo Bene e Dario Fo. E forse, guardando più indietro, anche all’irriverenza del Candide di Voltaire. L’intento è esplicito: riprendere il filo di un discorso scomodo e invocare ad alta voce il rifiuto dell’oscurantismo.
Metafisica della carne narra il viaggio iniziatico dell’Uomo (inteso come essere umano), affiancato da altri quattro personaggi: Gepi (una versione disincantata di Gesù), Quaresma (una variante femminile degli apostoli), Beltempo (il tempo che passa) e infine il Santo Padre (un improbabile Papa Benarrivato II).
Lo sviluppo narrativo si articola in 10 quadri e vede crescere via via il conflitto fra Gepi e l’Uomo. L’opera ci mostra un essere umano combattuto fra morale, bisogni e desiderio di felicità: in sostanza fra dogma ed esistenza.
Come i lavori più recenti di Marco Vaglieri Cane assoluto (2007), Qui non è più adesso (2005) e Dormiveglia (2005), anche Metafisica della carne è un’opera in tensione fra esperimento letterario e linguaggio visivo.
Marco Vaglieri (Milano 1959) vive e lavora a Oslo (Norvegia). Ha esposto in Italia e all’estero. Tra le personali più recenti: Her er han ikke længere (2005, Rum 46, Aarhus, Danimarca) e Il tempo che serve (2002, Luigi Franco, Torino). Tra le numerose collettive: La parola nell’arte (2007, MART, Rovereto), Calculated risks, (2005, Office for Contemporary Art Norway, Oslo), Moltitudes & solitudes (2003, Museion, Bolzano) e Haunted by detail (2002, Stichting De Appel Amsterdam).
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